Pero más allá de estas cáscaras, “La nana”, o “The maid” como ya se le conoce en el mundo, es, antes que cualquier otra cosa, una buena película. El director Sebastián Silva dijo que basó su obra en las historias de sus propias empleadas y, de hecho, al final de la cinta hay un guiño a estas señoras.

La historia corresponde a “Raquel”, una mujer casi sin vida propia, que ha trabajado en la casa de los acomodados “Valdés” por 23 años. Cuando comienza a dar señales de cansancio, su empleadora “Pilar” le ofrece la posibilidad de contratar a otra nana para que la ayude. Es ahí cuando la atacan los celos y les hace imposible la vida a cuanta candidata hay. Hasta que llega “Lucy”, interpretada por Mariana Loyola (que, de paso, se roba un poco la película), que cambia radicalmente el rumbo de la trama, la vida de la protagonista y los sentimientos del espectador.

Si ustedes esperan un trabajo cinematográfico que culmine en tragedia, en un crimen o una trama de violencia con ribetes policiales, arrendaron el DVD equivocado. “La nana” es la historia de un ser humano mañoso, que de pronto se da cuenta que ha estado equivocado y hace lo que pocos finalmente cumplimos: tomar en cuenta las lecciones que la vida nos da.

Es una gratificante película, con moraleja incluida, que cuando termina entrega la respuesta de por qué los gringos se volvieron locos con ella y las han llenado de nominaciones y premios. Personalmente jamás pensé que una película chilena sencilla, de alguna manera humilde, con una historia simple pero potente, podía llegar tan lejos y pudiera dar el pie para que el cine criollo al fin sea industrializado.

Ojalá que le vaya bien a “La nana” y que los chilenos, al igual que “Raquel” con su historia, saquen lecciones de este triunfo. Ya está en DVD y más o menos disponible para la masa, dado que está siendo bastante arrendada por sus logros…

No solamente se trata de una buena película de acción sino que también puede llevar a otras lecturas de acuerdo a su trama, con un mensaje ecologista y de protección a los llamados pueblos originarios.

“Jake Sully” es un soldado inválido que llega al planeta “Pandora” a cumplir con una misión encomendada a su hermano gemelo muerto: usar un “avatar” o cuerpo de reemplazo de un aborigen de la raza “Na’vi” para infiltrarse en ellos, que viven en este mundo siendo un obstáculo para los humanos, que desean explotar un recurso natural para llevar energía a la Tierra. El problema es que “Jake” se enamora de la “Princesa Neytiri”, una de las hembras de la tribu y su maestra y se siente muy arraigado en el pueblo protector de la naturaleza, por lo que acabará enfrentando a las futuristas fuerzas militares terrícolas, defendiendo lo que cree es justo.

El protagonista es el australiano Sam Worthington, conocido por algunos por el papel de “Marcus Wright” en “Terminator: La salvación” y que pronto protagonizará el esperado remake del clásico de la mitología griega “Furia de titanes”. Nota aparte merece la participación de Sigourney Weaver en el rol de la “doctora Grace Agustine”, estudiosa y protectora de los “Na’vi”, una actriz clásica de la ciencia ficción, con películas como “Alien”.

Esta es una obra para todos los gustos, tanto para aquellos que prefieren el cine de acción, de los mundos fantásticos con grandiosos y realistas efectos especiales y los más “sesudos”, que necesitan tramas un poco más complejas de cine de autor. Quizá no es una obra maestra pero sí una historia original que seguramente dejará su huella.

Dentro de algunos meses estará disponible en DVD.

“Carl Fredricksen” es un hombre de 78 años que está triste porque acaba de quedar viudo y su mujer “Ellie” murió sin cumplir el anhelo de la infancia de llegar hasta Venezuela a conocer unas grandiosas montañas que veían en el cine. Por esto se propone cumplir su promesa de viajar y se atreve a llevar su casa desde Estados Unidos hasta Sudamérica de una forma particular: por aire y gracias a miles de globos inflados con helio, atados a la construcción. Claro que el camino estará lleno de desafíos, como la accidentada participación de un entrometido explorador de 8 años, “Russell”, algunos animales simpáticos y el villano de turno.

La película recoge también el rol de los adultos mayores en la sociedad moderna, los que muchas veces son ignorados y obligados a dar un paso al lado para dejar lugar a la modernidad. Rescata paisajes increíbles y que de verdad existen en el planeta, otorgando un entorno único a la película.

A pesar que más de alguien me dijo antes de verla que es una obra triste, finalmente no lo consideré de esa manera. Creo que es una película enriquecedora, entretenida y hasta positiva, de las mejores que ha ofrecido el cine en el último tiempo.

Ojalá que cada vez quede más atrás esa idea que los monos animados no son para todos. El cine caratulado de infantil hace rato que dejó de serlo en forma exclusiva. Pixar, casa coproductora de “Up” y socia de Disney, viene demostrando esto hace tiempo y entre sus productos deben estar algunas de las mejores películas de los últimos 15 años, como “Toy story” 1 y 2, “Monsters Inc” y “WALL-E”. Lo única falla la atribuyo en este caso a cómo hacen propias estas obras los mercados latinos. Más específicamente a titular “Up” como “Up” y no “Arriba”, defendiendo la supremacía del idioma español, cosa en la que, por ejemplo, nos aventajan los franceses, que rara vez permiten en sus cines películas extranjeras que no sean traducidas a su lengua y tituladas con palabras o frases en francés.

“Up” ya está disponible en DVD para pasar un rato más que agradable y volar hacia los sueños más queridos.

Caricatura blog Desastre Total

Woody Allen es uno de los directores favoritos del mundo. Constantemente parece retratar en sus películas sus propias debilidades y vicios, además de sus deseos. Cuando empezaba la década de los años 90 del siglo pasado fue famoso su amorío con una de sus hijastras con Mia Farrow, Soon Yi Previn, que terminó en un nuevo matrimonio, a pesar de la notable diferencia de edad. El neurótico creador llevó a la pantalla varios de los conceptos trabajados por años con “Vicky Cristina Barcelona”, la historia de dos gringas, Vicky y Cristina, las estupendas Rebecca Hall y Scarlett Johansson respectivamente, que por diferentes razones van a parar a Barcelona, en España, donde conocen a un pintor carismático, interpretado por el excelente Javier Bardem, por el que ambas se sienten atraídas y, más tarde, a la excéntrica y demencial ex pareja del artista, encarnada por la bella y enigmática Penélope Cruz, que al momento del rodaje era pareja en la vida real de Bardem.

Javier y Penélope son una pareja de artistas en la ficción que no puede vivir separada pero cuando se juntan no paran de discutir y hasta agredirse. ¿Una remembranza de Woody a su propio pasado? A medida que el relato avanza, los enredos aumentan, las encamadas se suceden una tras otra entre las yanquis y los españoles, nace el enamoramiento, el deseo, el sexo y el amor, a veces confundiéndose por las ideas de los jóvenes amantes.

Este es un cuento erótico que sin mostrar sexo explícito ataca a los sentidos y mi consejo es que la obra sea vista en pareja. Tiene una exquisita fotografía, un buen montaje y un notable guión (al estilo de Allen), además de muy buenas actuaciones. A mí también me agradó mucho la banda sonora, con algunas canciones pegajosas y otras derechamente cómicas o insoportables. Es una película muy entretenida, ágil y dinámica.

Confirma la idea que fue una muy buena iniciativa la de Allen de salir de Nueva York, donde desarrollo casi el 100% de su filmografía hasta hace sólo unos años e ir primero a Inglaterra y ahora haber pasado por España. Demuestra que a pesar de sus años el director no deja de sorprender con su trabajo, porque así como exploró el thriller oscuro con películas como “Match point” o “El sueño de Casandra” es capaz de volver a sus historias amorosas ya no interpretadas por viejos neoyorkinos sino por jóvenes aventureros y trotamundos.

“Vicky Cristina Barcelona” está disponible en DVD en las tiendas del rubro.

Famosa y aplaudida ha sido la epopeya que en la década de los años 70 del siglo XX protagonizaron los periodistas Carl Bernstein y Bob Woodward del Washington Post que, en el contexto del Caso Watergate, terminaron por provocar la renuncia del Presidente de los Estados Unidos, el republicano Richard Nixon, que se involucró en un espionaje contra personeros del Partido Demócrata, descubierto por los redactores con el apoyo del enigmático “Garganta profunda”.

La historia de “Frost / Nixon” es posterior a este hecho histórico y también marca un hito en el periodismo yanqui. Es la aventura del presentador televisivo británico David Frost que se esmeró por entrevistar a Nixon, años después de Watergate, en 1977, produciendo una serie de cuatro entrevistas con el ex presidente, divididas en diferentes temas pero centradas en entrar lo más profundamente en uno de los mayores escándalos políticos que recuerde la historia americana. Es el relato de un duelo entre un grupo de periodistas dedicados y unos políticos fríos y calculadores, detrás de una de las figuras públicas más nefastas que se conocieran.

Sin entrar en detalles de cómo termina la película y también la historia real, todo acabó en uno de los programas de TV más vistos de todos los tiempos. El relato, del director Ron Howard, más dedicado a la obra que a la industria, se centra y analiza las trincheras de los rivales y cómo fueron llegando al gran duelo final.

Está protagonizada por uno de los veteranos más aplaudidos del último tiempo, Frank Langella, un tanto irreconocible en la piel y con el cabello de Nixon y uno de los jóvenes más prometedores, Michael Sheen, como Frost. Por actuaciones ganó Langella, que puso todo su oficio, a pesar que a ratos encontré un tanto exagerada y caricaturesca su interpretación. Junto a ellos hay un buen grupo de secundarios, como Kevin Bacon, Oliver Platt o Sam Rockwell, que ayudan a construir de buena manera la película.

Esta es una obra, basada en un texto teatral que, a su vez, se detuvo en las entrevistas originales, principalmente para periodistas o para los que les gusta la historia política mundial reciente. A ratos puede resultar latosa pero el fin justifica un poco los medios narrativos usados por el director. Y para aquellos que la arrienden o la compren en DVD (ya está disponible) les sugiero que se metan en los extras y revisen algunos documentos reales que contiene el disco.

Esto se los cuento para contextualizar el por qué de esta obra y su reciente estreno. Todo en ella es de buena factura con la excepción de un débil Benjamín Vicuña en el rol de Bitar. Hasta el cuadrado Cristián De la Fuente está bien en su papel de milico pero eso es lógico considerando que fue considerado e inteligente para escogerse un papel como productor asociado.

Algo notable es la transformación de los actores, incluso físicamente, para sus interpretaciones de los jerarcas del gobierno de Salvador Allende, que vivieron dramáticos momentos pero también la energía del calor humano durante su estadía en el campo de concentración de Isla Dawson, en medio del Estrecho de Magallanes.

El relato se basa en el libro sobre la experiencia que escribió Sergio Bitar y cuenta cómo los hombres fueron adaptándose al clima austral y a los abusos y, a veces al mismo tiempo, comprensiones de los militares que los vigilaban.

Miguel Littin es el director y, como todas sus anteriores películas a excepción de “El chacal de Nahueltoro”, apela al drama y al humor con maestría, pero, a mi juicio, no logra conectar emocionalmente con el espectador.

Me agrada que el cine chileno esté contando todo tipo de historias y con los recursos necesarios. Me gustaría saber, eso sí, cuál es la universalidad del arte criollo para llevar estos relatos más allá de las fronteras.

Esta resulta en una película ágil y que algo podrá aportar a aquellos que ignoran la historia o le dan la espalda, si es que están dispuestos a dejar de lado sus prejuicios y considerar un capítulo muy lamentable de nuestra historia, cuando parte del pueblo terminó odiando a sus semejantes por pensar distinto.

Esta película está actualmente en cartelera en los cines y pronto será estrenada en DVD.

Trailer.

Luego del gran éxito de “Y tu mamá también”, no sólo supimos que en México se podía hacer buen cine, sino también que tenían una buena generación de creadores e intérpretes. Entre ellos, los directores Alfonso Cuarón (que más tarde dirigiría excelentes productos hollywoodenses como “El prisionero de Azkabán” de la serie de Harry Potter, y la apocalíptica y oscura “Hijos del hombre”), Guillermo del Toro (que ya tiene un nombre propio gracias a películas de fantasía y terror como “El laberinto del fauno” y la próxima “El hobbit”) y Alejandro González Iñárritu (creador de “Amores perros”), más los actores Diego Luna y Gael García Bernal, se reúnen en “Rudo y cursi”, una comedia dramática que cuenta los orígenes, ascenso, éxito y decadencia de dos populares futbolistas aztecas.

Rudo y cursi son los apodos de dos hermanos que viven en la zona rural de México, trabajando en la industria del plátano, y son descubiertos fortuitamente, estando harto maduros, por un cazatalentos argentino, interpretado con oficio por el actor Guillermo Francella, que los lleva a la cima del balompié gracias a sus contactos con el mercado. En esta parte resulta impactante el contraste entre el campo donde viven los muchachos, y la llegada a la gran ciudad, cuando el “padrino” aconseja a sus “ahijados” para llegar a triunfar en el distrito federal. El problema es que, a pesar del talento, no todo es fútbol para los chicos. Rudo sufre ludopatía y eso le traerá desagradables consecuencias, y Cursi sueña con ser cantante de rancheras y talento no le falta.

Me resultó novedoso observar el proceso de crecimiento de los futbolistas en el mercado norteamericano y saber, por ejemplo, de los ritos de iniciación de los que llegan a probarse a las grandes ligas. También la metamorfosis de quienes empiezan a vivir el éxito con grandes cantidades de dinero en los bolsillos, placeres por doquier, mujeres espectaculares y lujos sin límite. Es una historia humana que nos cuenta que el éxito, que todos los seres humanos llegan a tener en algún ámbito a lo largo de su vida, es algo que hay que saber llevar. Una lección de vida contada a partir de la triste existencia de dos pobres tipos.

Esta película, que ya está en DVD, se la recomiendo especialmente a los fanáticos del fútbol, del deporte y, a través de ellos, a todos, porque el deporte es como la vida: siempre hay una revancha.

Trailer.

La trama, a pesar de resultar para la época bastante original y derivar en un éxito de taquilla en la época de la Gran Depresión, es bastante básica e ilógica (eso de hallar un mundo prehistórico en una isla X) pero efectiva. Fue la excusa perfecta para desplegar efectos especiales notables que lograron ser superados sólo décadas más tarde. Si los comparamos con los recursos, por ejemplo, de “Tiburón” de Steven Spielberg, de 1975, los avances fueron básicos, e incluso, hubo retrocesos. A tanto llega la excelencia que hay que observar los detalles cuando Kong lleva a Ann Darrow (interpretada por la recordada Fay Wray) a la parte más alta de la Isla Calavera y, dentro de una caverna, quiere obsequiarle una flor a la mujer que está aterrada con él. El gorila hasta huele el regalo antes de enfrentarse a un dinosaurio. Resulta gracioso que el protagonismo se lo lleve un minúsculo muñeco y sus amigos dinosaurios, que en la pantalla se ven gigantes, antes que los actores, ya que las interpretaciones son pésimas.

No soy de los que se ríen con las películas viejas, comparándolas con las “maravillas” que hoy ofrece (o está en condiciones de ofrecer) el séptimo arte, sino que valoro lo que personas con menos recursos pudieron hacer hace tiempo. Revisar “King Kong” en DVD es ver uno de los tesoros más grandes de la historia de la cultura popular, y una oportunidad que tenemos gracias, en gran parte, al remake que Peter Jackson hizo en 2005. Hay otra versión de 1976, que protagonizaron Jessica Lange y Jeff Bridges, pero de la que nadie se acuerda mayormente.

El mito de la bella y la bestia como nunca fue relatado, y como nunca volverá a serlo.

Trailer.

Es una obra bien hecha, con los recursos necesarios, entretenida para el común de los espectadores, pero más para aquellos que, como uno, admiran la vida del “Che”, como un tipo que se impuso a su tiempo, y llevó hasta sus últimos días el concepto de “patria o muerte”.

La historia parte con él hablando con Fidel Castro en México en el momento en que se conocen, y preparan la ofensiva para disminuir a Batista y juega con el tiempo trasladándolo de pronto a su intervención ante los representantes de las Naciones Unidas, a veces a las luchas en Cuba y luego a algunas entrevistas que brindó a medios estadounidenses.

Llama la atención, viendo los extras del DVD, que el director, un sujeto identificado con un cine más comercial con películas como “Traffic” (en la que también estuvo Benicio) y la hasta ahora trilogía de “La gran estafa”, diga que le importaba un carajo la respuesta comercial de la película con tal de hacerla, con un alto concepto del arte por el arte o de contar la biografía de un personaje único sin importar las críticas o repercusiones.

El “Che” es muy cinematográfico. Es cosa de leer alguna de sus biografías para darse cuenta de los escenarios y segmentos que tuvo su agitada y corta vida, entendiendo que la película de Soderbergh puede ser sólo un breve episodio. Y de muestra un muy buen botón: la obra de Walter Salles “Diarios de motocicleta”, con Gael García Bernal, que tuvo un aceptable recorrido comercial y de crítica (incluso ganó un Oscar por Mejor Canción Original), relatando la juventud de Guevara, recorriendo América, incluyendo Chile, a comienzos de la década de 1950 y observando “cuanta injusticia” existía en esta parte del mundo.

“Che” de Soderbergh tiene segunda parte, se subtitula “Guerrilla” y está pronta a estrenarse. Del Toro se llevó la Palma de Oro en el Festival de Cannes por su interpretación en la primera parte del ícono cultural que puede conocerse un poco más a través de esta historia.

“Che el argentino” ya está disponible en DVD.

Trailer.